2.3 С 1990-х гг. по настоящее время
Весь 1990 год на Бродвее прошел без незабываемых новых мюзиклов. Фанаты были встревожены, но в целом мир этого не заметил. Национальные СМИ теперь игнорируют Бродвей. Для них музыкальный театр был ни чем иным, как причудливой субкультурой. По статистике, представленной историком американского мюзикла Д. Кенриком54, менее пяти процентов американского населения посещали театр на регулярной основе, а подавляющая часть людей из этих процентов посещали Бродвей в течение многих лет, даже не следя за афишами. Бродвей все еще оставался привлекательным для постоянных зрителей театра, в основном состоящих из студентов, туристов и гомосексуалов55 - по 60 долларов за билет слишком большая сумма для посещения мюзикла. Как следствие, самые успешные американские мюзиклы начала 90-х были нацелены на один или несколько сегментов этой основной аудитории.
Популярность мюзикла как жанра падает. Все больше развивающаяся во Франции культура мюзиклов оттесняет внимание на себя, делая музыкальные продукты Америки менее ценными, а значит, менее желанными. Провал нескольких мюзиклов («Footloose» (1998), «Saturday Night Fever» (1999), «Parade» (1998)), и потери миллионов долларов для Бродвея вынуждают их сократить количество постановок, а на те, что ставятся, увеличить цену, чтобы получить прибыль. С другой стороны активно развивается мультипликация. Музыкальные темы из мюзиклов теперь зачастую звучат именно в мультипликационных мюзиклах, ориентированных, по большей части, на детскую аудиторию.
Крупнейшим прибыльным проектом в Бродвее в 1994 году был мюзикл «Красавица и Чудовище» / Beauty and the Beast (1994), проект от Walt Disney Productions. Этот мюзикл основывался на мультипликационном фильме. Его успех продолжался более трех лет, пока на сцену Бродвея не вышел мюзикл, основанный на мультфильме «Король Лев» / Lion King (1997).
В это время имеет смысл говорить о появившемся феномене корпоративного мюзикла. Корпоративный мюзикл построен, выпускается и управляется многофункциональными развлекательными корпорациями, такими как Disney или Livent. Эти шоу могут начинаться, как идея композитора или писателя, но большая часть развития каждого проекта спонсируется и контролируется корпорацией. К концу 1990-х годов почти каждое шоу, которое дошло до Бродвея, было корпоративным продуктом. Когда средний музыкальный бюджет составлял более 8 000 000 долларов, для финансирования шоу потребовалось немало людей. Для того, чтобы мюзиклы окупались, было необходимо следовать принятым правилам – можно сказать, что речь шла о «производстве мюзиклов». Это не оставляло места для любителей, художников и экспериментаторов.
Однако несмотря на эту тенденцию мюзикл «Богема» / Rent 1996 г. оказался весьма успешен. Еще один «мюзикл книги», поставленный Д. Ларсоном по своему же роману, рассказывает о жизни нескольких друзей, связанных общим прошлым, а так же насущными проблемами – они живут в одном доме, из которых их хотят выселить. Помимо общего сюжета, в мюзикле раскрываются проблемы непринятия меньшинств, в том числе людей с гомосексуальной ориентацией, а так же весьма актуальная для той маргинальной прослойки общества, о котором идет речь в мюзикле, проблема – СПИД. На фоне этих проблем показываются герои, пытающиеся привести свою жизнь в порядок, а так же отчаянно жаждующие любви. Это подтверждает опенинг мюзикла. В начале мы видим всех героев мюзикла, собравшихся вместе, поющих хоровой номер. В тексте перечисляется все, чем человек может измерить свою жизнь, но в конце концов утверждается любовь, что по их мнению – самое важное в человеческой жизни. Как музыка, так и текст – имеют свои истоки в традиции духовных песнопений Spirituals и Gospel. Подобное сочетание музыки и текста является достаточно традиционным в данном жанре. Однако данный номер отходит от классических бродвейских традиций. Большому составу оркестра или широкому диапазону певцов предпочитается гитара и речитатив ради большего погружения в атмосферу «Богемы» - Нью-Йоркских низов.
Этот стиль выдерживается во всем мюзикле и особенно ярко прослеживается и раскрывается в песне главного героя Роджера «One song glory» - начинается песня с очень похожего на начало мюзикла гитарного сопровождения, но потом «вырастает» до большей экспрессии за счет прибавления других инструментов, превращаясь в подобие рок-баллады. Способности солиста раскрываются ярче – песня трагична по своему смыслу и содержит довольно традиционную для этого жанра куплетную форму. Несмотря на роковое звучание этот трек также частично берет истоки из соула. Однако инструментал, характерный для альтернативного рока, добавляет в композицию больше искренности и простоты. В этом номере Роджер сублимирует все свои основные жизненные переживания: смерть девушки, а также воспоминание об их совместной жизни и ее обстоятельствах. В традициях альтернативного рока построена форма трека. В начале мы слышим лирическую мелодию, передающую светлые образы через призму тяжелой трагичности. Плавно это состояние накапливается и переходит в динамичный припев, который включает в себя пауэр-аккорды, мощные брейки и надрывный протяжный мужской вокал. В настроении музыки мы видим тенденцию усиления трагизма.
На этом фоне довольно неожиданно звучит «Take Me or Leave Me» дуэт двух влюбленных друг в друга девушек Морен и Джоанн, возвращающая слушателей к традициям Бродвея и умело обыгрывающая в фортепианном сопровождении джазовые традиции. Это подвижный женский дуэт, в ходе которого девушки выясняют отношения в ходе небольшой ссоры. Ни одна из них не хочет уступать другой. Дуэт является достаточно классическим для мюзиклов. Его музыка имеет характерный ритм, опирается на джазовые гармонии. Музыка наделена импульсивностью, сильным характером, однако при этом не имеет по-настоящему серьезного чувственного основания. Эмоции выходят на передний план, заслоняя настоящие чувства.
Данный мюзикл примечателен своей многогранностью в контексте рассматриваемых проблем, а так же репрезентацией женских персонажей. Здесь женщины имеют право на любовь в той же мере, что и мужчины – они влюбляются друг в друга, делают первые шаги, а так же добиваются своих возлюбленных, даже если речь идет о мужчинах. Можно утверждать, что в плане развития женских персонажей мюзикл «Богема» так же прогрессивен, как и поставленный двадцатью годами позднее «Ла Ла Ленд».
В этом же году на Бродвее ставится мюзикл «Я люблю тебя, ты совершенство, теперь изменись» / I love you, You’re Perfect, Now Change (1996) авторства Дж. ДиПетро и Дж. Робертса. Мюзикл не имеет четкого сюжета, состоит из набора сцен, объединенных общей темой, повествующих, по словам создателей, о том, что «вы всегда втайне думали про свидания, романтику, брак, партнеров, мужей, жен и детей, но боялись признать»56. Сцены не связанные друг с другом, выстроены в порядке развития отношений на протяжении всей жизни. Сначала первое свидание, потом — сцена свадьбы, за ней — процесс семейной жизни и воспитания детей. В оригинальной постановке, несмотря на большое количество персонажей, участвовало всего четверо актёров. Данный мюзикл довольно-таки нестандартен по стилю, и это утверждение задевает так же и сюжетную составляющую мюзикла. Интересен факт, что в данном мюзикле к любви относятся скорее иронично, чем восторженно. Если в предыдущем мюзикле любви приписывали роль живительной силы, способной решить все проблемы, то здесь об этом говорится иначе. Любовь в этом мюзикле – забавная, повседневная, бытовая. Номера, из которых состоит мюзикл, касаются тех или иных сторон жизни условных партнеров – причем выстроены так, чтобы можно было наблюдать хронологию – любовная история начинается на первом свидании, а завершается на попытке решить проблемы внутри брака.
Данный мюзикл отлично отражает другую сторону love story, так редко репрезентуемую. Отказавшись от классической для мюзикла красивой истории любви, авторы показали реальную историю отношений, которая является не совокупностью ожиданий среднестатистического зрителя мюзикла, а отражает его настоящую личную жизнь – с проблемами, неловкими свиданиями, проблемами в сексуальной жизни после нескольких лет брака и т.д. С помощью средств музыкальной и художественной выразительности, авторы делают отсылки к различным эпохам – мифическим или реальным – как бы намекая своим зрителям о том, что проблемы, поднимаемые в данном мюзикле, имеют место не только в жизни зрителя этого самого мюзикла, а имели место всегда – начиная с сотворения мира согласно Библии.
Пролог начинается с комической ансамблевой зарисовки, в которой сквозь призму библейского мифа обыгрываются отношения между мужчиной и женщиной, носящей ироничное название «Кантата для первого свидания» / Cantata for a First Date. В дальнейшем мы слышим музыкальный материал, очень характерный, как и для жанров церковного пения, так и берущий свои истоки из ансамблей итальянской комической оперы. С помощью полифонии тесно сплетены в единое музыкальное целое: разные персонажи, их собственный текст и настроение.
Развитие мюзикла продолжается так же в комичном ключе. Во время сцены со свадьбой (номер «Wedding») музыка образует остановки в сценическом действия, что свойственно жанру оперы XVIII века. К этому также подталкивает и сюжет свадебной церемонии, которая встречается чуть ли не в каждой опере. Материал все также представляет собой смесь стилизации на классическую музыку вместе с духовным хоровым пением.
Последний номер «I Love You, You’re Perfect, Now Change», совпадающий с названием произведения, отлично вписывается в композицию всего мюзикла. Он являет собой весьма интересный объект для рассмотрения - открывается голосами а капелла, диссонансов добавляет скрипичное сопровождение на фоне декламационных реплик солистов, что в целом звучит довольно гротескно. Это неожиданно резко сменяется типичной бродвейской песней для нескольких голосов с характерными оборотами и консонансной в целом – такой резкий контраст безусловно призван сильнее проникнуться смыслом мюзикла, который в принципе рассматривает самые разные проявления любви. Это вообще предполагает использование различных жанров для выражения авторской задумки. Например, в «Marriage Couple» звучит яркое синкопированное танго с традиционными его чертами – отрывистым аккомпанементом фортепиано и ведущей скрипкой. Композитор снова играет на контрасте, выбирая этот выразительный жанр, обычно призванный показать показать любовную страсть между героями, для перечисления бытовых сцен и создания комичной ситуации.
В целом, внимание любовным историям в этот период уделяется мало – они либо отсутствуют совсем, либо в большинстве случаев находятся на втором плане сюжета. В качестве примеров могут послужить такие корпоративные мюзиклы, как «Титаник» / Titanic 1997 года М. Истон и «Джазовый Ритм» / Ragtime 1996 года С. Флаэрти. Сюжеты в них отражают современные реалии и актуальные проблемы – расизм, творческий поиск, а так же катастрофы вроде крушения парохода «Титаник».
В начале 2000-х выходит мюзикл «Мама Миа» / Mamma Mia! (2001) Б. Ульберуса. Данный мюзикл примечателен репрезентацией женских персонажей. Главные героини – мать и дочь – на протяжении мюзикла готовятся к свадьбе, походу решая проблемы, связанные со своим прошлым. Несмотря на то, что развитие женских персонажей происходит через мужчин, герои противоречивы, имеют внутренние конфликты и помогают друг другу справляться с ними. Более того, в мюзикле имеет место репрезентация женской дружбы, где персонажи поддерживают друг друга не только в связи с проблемами в личной жизни.
В мюзикле «Mamma Mia» не так много контрастов, как в предыдущих мюзиклах, однако не менее интересные примеры песен, отображающих архетип love story – «Our last summer» представляет собой воспоминания о летних романах главной героини. Форма вполне типичная для поп-рока – куплетно-припевная, с незначительными вариациями в куплетах. Примечательно то, что соперничающие по сюжету мюзикла мужчины поют здесь хором, и их партиям практически противопоставляются несколько реплик героини.
Известная «Lay All Your Love on Me» строится на постоянном, монотонном басовом пунктире и написана в стиле очень распространенного и популярного во время создания мюзикла жанра электро-диско. В ней Софи обращается к Скаю, высказывая свое страстное желание сохранить и усилить их любовь до конца их совместной жизни. В хоровых вставках присутствуют элементы гимна – оригинальные исполнители песни, группа ABBA, в этой песне специально усиливали этот эффект, чтобы воссоздать черты соборного песнопения. Это очень логично, учитывая слова песни, которые звучат как призыв – «Не трать попусту чувства», «Не дели свою преданность».
Один из самых популярных хитов «The Winner Takes It All» звучит в исполнении главной героини, пытающейся разобраться в своих чувствах. Донна отвергает Сэма, и хотя любит его, считает, что им не стоит будоражить их прошлое. Эту лирическую песню можно назвать кульминацией всего мюзикла, она дает солистке право показать возможности своего голоса. Это одна из самых выделяющихся песен в жанре поп-баллады, сопровождающаяся насыщенным аккомпанементом – фортепиано, гитарой, ударной установкой, хором и оркестром.
Выделяется на этом фоне «I have a dream» которая имеет очень ярко выраженные черты национальной музыки и отголоска жанра неаполитанской песни, начиная от состава сопровождающих инструментов и заканчивая ритмом. Акустическая гитара и характерные для национальной музыки ударные только подчеркивают эту составляющую. Обусловлено это местом действия в мюзикле – Грецией; песня раскрывает национальный колорит, и рассказывает о мечтах дочери главной героини. Здесь Софи поет о том, что верит в будущее, и идет в него со своей мечтой. Песня проникнута характерной безмятежностью, оптимистичным взглядом на жизнь.
Написанное выше очень точно характеризует love story, которая транслируется в мюзиклах в период с 90-х годов по настоящее время. Становятся неактуальными признаки, которые были обязательными, например, в 70-х годах: любовная линия становится не такой важной, как люди, в ней участвующие; персонажи приобретают сложность характера, не являясь больше усредненными людьми среднего класса Америки; упор в сюжете все чаще делается на происходящее с героями, а не с их любовной жизнью; счастливый конец далеко не так важен.
Интересен в этом контексте мюзикл «Ла Ла Ленд» / La la land (2016) Д. Шезелла и Д. Гурвица. Несмотря на то, что в love story главных героев мы можем наблюдать отсылку к love story 70-х годов (речь идет о главенствующей роли любовной линии в сюжете), в мюзикле так же присутствуют черты, характерные для love stories 2000-х годов. Сам же сюжет мюзикла весьма феминистичен – в первую очередь речь идет о девушке, которая идет к своей мечте – стать знаменитой актрисой, и на этом пути она встречает молодого человека. Он – талантливый пианист, работающий в ресторане и мечтающий о том, чтобы вернуть джазу былую популярность. С точки зрения отношений между героями, мюзикл справился со сложной задачей – показал здоровые отношения между мужчиной и женщиной, ведь Себастьян и Мия взаимно поддерживают и поощряют друг друга в своих творческих мечтах. Довольно-таки феминистичен и тот факт, что это Мия инициирует начало отношений, преследуя Себастьяна несколько раз в начале фильма, пока тот не сдается и не отвечает ей взаимностью (если обратиться к love story 70-х годов, можно увидеть абсолютно зеркальную ситуацию). Однако, с течением сюжета мюзикла развитие историй Мии и Себастьяна идет по разному пути. Сюжетная линия Себастьяна посвящена его музыкальному талант, страсти и настойчивости. История Мии и большая часть ее экранного времени сосредотачиваются на ее отношениях с Себастьяном и ее поддержку его искусства.
Мы видим Себастьяна за пианино, создающим свои произведения и практикующимся в игре. Мы видим его концерты, смену мест работы (кофейня, вечеринка, музыкальная группа). Большая часть истории Себастьяна посвящена его творческой борьбе и стремлению достигнуть своей цели. Та же линия сюжета, которая посвящена Мие-актрисе (а не Мие-влюбленной девушке) достаточно скудна – нам показывается несколько неудачных прослушиваний и такое же неудачное собственное начинание. Да, Себастьян поддерживает Мию – он вдохновил ее на создание собственной пьесы, в нужный момент привез ее на прослушивание. Однако если проследить за тем, как Себастьян взаимодействует с творчеством Мии становится понятно, что он достаточно абстрагирован от него – Мия слушает, как Себастьян играет раз за разом, даже участвует в этом, приходит на его выступления, ищет их в интернете и даже придумывает название для его джаз-бара. Себастьян же не приходит на первое выступление Мии в качестве сценариста и актера моно-спектакля, да и в других случаях не особо заинтересован в том, что она делает.
Нельзя сказать, что отношения между главными героями нездоровые с психологической точки зрения, нельзя сказать, что женщина подвергается насилию (психологическому или физическому) или дискриминации. «Ла Ла Ленд» - мюзикл, снятый в Америке победившего либерального феминизма, однако даже в том, как показа история успеха женщины, независимой от мужчины, самой женщины крайне мало.
Что касается воплощения любовной линии мюзикла, то наиболее ярко представляется оно песней «City of Stars», поп-балладой с баркарольным, покачивающимся сопровождением фортепиано. В этом номере воплощаются две ключевые идеи мюзикла – развитие любовной линии Себастьяна и Мии, а также взгляд в будущее каждого из них, мечты о карьере и счастливой жизни. На музыку этого мюзикла в целом очень сильно влияние джаза, однако здесь оно прослеживается не так сильно, как в других песнях. Это лиричная, спокойная по характеру песня, не призванная показать страсть, противоречие, драматизм или накал эмоций. Здесь нет разнообразия выразительных средств, а впечатление достигается путем приглушенной динамики и отсутствия звуковых эффектов ради натуралистичности звучания голосов. Примечателен тот факт, что она исполняется трижды за мюзикл.
После долгих пересечений Миа и Себастьян впервые знакомятся, и их знакомство становится похожим на влюбленность. Совместную заинтересованность, но при этом кокетство, частую смену эмоций - все это как нельзя лучше передает музыка джаза. Песня «A Lovely Night» имеет выраженную джазовую направленность за счет прерывающегося ритма, свободы в вокальной партии, состава фона – здесь к фортепиано прибавляется духовая и ударные группы, гитара, а так же губная гармошка. Интересно использование выразительных средств, которые в мюзиклах используются нечасто, а в дуэтах – почти никогда, к примеру свист, которым главный герой «поддерживает» партию солистки. Нетипично так же и то, что в концу песни оркестр выходит на первый план и ему отводится достаточно длинный и интересный проигрыш.
Лейтмотивом всего мюзикла служит композиция «Mia and Sebastian`s Theme», имитирующая джазовую импровизацию для фортепиано. Эта музыкальная тема содержит в себе обобщенную картину отношений Мии и Себастьяна. Ее мелодия олицетворяет их взаимные надежды и ожидания от их взаимоотношений, которые существовали между ними в крайне важный и значимый для них жизненный период. В зависимости от контекста лирическая музыка темы звучит, то устремленно и приподнято, то бестелесно, как далекое воспоминание. Но на каком бы этапе своего жизненного пути не находились герои – они всегда будут относиться к друг другу с глубокой теплотой, которую создают терпкие септаккорды и закругленная мелодия, в сочетании с чистым и прозрачным тембром клавишных. Она проходит сквозь весь мюзикл и символизирует связь между двумя героями, так как именно она служит причиной их знакомства. Начинающаяся как лиричная тема, к концу она отдаляется от первоначальных мотивов и перерастает в сложную пассажную импровизацию, которая достаточно резко обрывается. Здесь можно разглядеть своеобразный символизм с любовной линией героев, которая тоже не получила счастливого окончания.
|
